Os melhores filmes sobre videogames, classificados

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De 'Scott Pilgrim vs. The World 'to' Edge of Tomorrow, 'e tudo mais.

Temos muitos “filmes de videogame”. Filmes, como o muito difamado Super Mario Bros. ou objetivamente o melhor filme já feito Mortal Kombat , que adaptam o mundo e os personagens de um videogame e apresentam uma visão cinematográfica de sua narrativa. O que nos falta são “filmes sobre videogames”. Filmes que abordam um de nossos meios de entretenimento mais importantes como um assunto que vale a pena considerar, em vez de mais PI para pilhar.

Pode ser por isso Jumanji: Bem-vindo à selva foi um sucesso tão surpreendente. A sequela de 2017 para o amado Robin Williams -estrelar o clássico dos anos 90, Jumanji, partiu dessa deliciosa premissa - e se os perigos de um jogo de tabuleiro fossem reais? - e o atualizou no espaço contemporâneo de como jogamos. Em outras palavras: e se você fosse sugado para um videogame? E esses perigos eram reais? Assim, além de suas piadas e cenários de sucesso de bilheteria (e seu carisma de estrela de cinema de Dwayne Johnson , Kevin Hart , Jack black , e Karen Gillan ), o filme se torna um comentário sobre como nos envolvemos com os videogames também.

Em homenagem à próxima entrada neste novo Jumanji meta-franquia - Jumanji: o próximo nível , que estreia em 13 de dezembro de 2019 - aqui estão os melhores filmes sobre videogames classificados. Pronto para jogar?

Indie Game: The Movie

Imagem via BlinkWorks Media

me dê um filme para assistir

Indie Game: The Movie , um documentário franco, é inspirador e doloroso em partes iguais. Feito em 2012, o filme pode ser nossa melhor “medição de temperatura” da cultura contemporânea de videogame. Segue a jornada de três jogos independentes aclamados e seus desenvolvedores excêntricos: Super Meat Boy ( Edmund McMillen e Tommy Refenes ), Fez ( Phil Fish ), e Trança ( Jonathan Blow ) É inspirador em sua pintura perspicaz de nossa geração atual de criadores de videogames sendo criada durante uma época peculiar dos videogames. Enquanto cresciam, esses futuros criadores tinham videogames constantemente - mas obviamente não tinham idade suficiente para comprá-los. Em vez disso, eles foram transmitidos por meio de forças externas, como Moisés com os Dez Mandamentos. Assim, esses criadores reverenciam a força e o poder dos videogames (colando pôsteres em cada centímetro de suas paredes) com um senso de maravilha infantil e um senso de ambição adulto. Se você tem um projeto apaixonado que está pensando, Indie Game: The Movie pode colocá-lo em ação. No entanto: é doloroso em ... quase todas as outras formas. Todo criador é miserável. Cada criador empurra-se além de seus pontos de ruptura, entrelaçando suas criações com suas essências como seres humanos. Quando questionado sobre o que Phil Fish fará se ele não terminar Fez , sua resposta é direta e, francamente, desencadeando: 'Eu me mataria' (Quando seu jogo continua quebrando em um painel PAX posterior, não posso deixar de pensar na arte imitando a vida). Há um nível de exposição da insalubridade à espreita nas partes mais fundamentais desses criadores totalmente masculinos, transformando Indie Game: The Movie retroativamente em um sinal de alerta para #GamerGate. Super Meat Boy o codeveloper Edmund McMillen, em particular, me incomoda. Ele parece ter um relacionamento amoroso com sua esposa, Danielle . Mas seus pontos de vista sobre as mulheres, juntamente com seu desejo de “ultrapassar os limites”, parecem resultar em algumas coisas desagradáveis. Vemos uma breve filmagem de um de seus jogos ( A palavra C ) que, para mim, parece que você joga como um pênis ereto gigante em um combate de estocadas com uma saliência vaginal vil. Esta é, na melhor das hipóteses, uma extensão muito, muito ruim do ponto de vista de 'tudo pode ser um limite que é levado a uma piada absurda', com o qual ele parece se comprometer, sem se importar em entender o contexto de suas afirmações a respeito das relações sexuais entre homem e mulher. Na pior das hipóteses, é um jogo em que a forma de vencer é cometer agressões sexuais violentas de propósito. Eu me identifico com a luta dele (e de outros criadores) para se sentir um estranho, suas ansiedades e dores de estômago e problemas relacionados com as pessoas, sua descoberta da produção criativa como uma válvula de escape. Mas usar a dor para a arte é uma faca de dois gumes. E em Indie Game: The Movie - e de muitas maneiras, nossa esfera de jogo contemporânea - a espada parece balançar em todas as direções possíveis.

Jogador

Imagem via Lionsgate

Em uma jogada preparada no final do filme de ação de ficção científica de 2009 Jogador , Michael C. Hall faz uma dança deliciosa de sapato macio enquanto seus capangas batem forte em Mordomo de Gerard . Essa sequência, por si só, deveria, em minha opinião, inserir o trabalho direto no topo de todas as listas de “melhores filmes” já produzidas, independentemente do ano ou tema abordado. Até que isso aconteça, estarei aqui cantando louvores de Jogador tão alto quanto eu posso reunir. Escrito e dirigido pelo maníaco Manivela escritor / diretores de franquia Neveldine / Taylor , Jogador pega uma premissa desprezível e a filtra através da estética 'bro-y final de 2000 FPS shooters' (pense nas cores suaves e acastanhadas e garotos musculosos segurando rifles de assalto em jogos como Call of Duty 4: Modern Warfare ), resultando em um produto final totalmente entorpecente e estonteante. E quero dizer tudo isso como o mais sincero dos elogios. O filme se passa em 2034, onde os humanos são viciados em um videogame chamado Slayers (sutil, Jogador não), inventado pelo malvado Hall. Um jogador importante, interpretado por Logan Lerman , se dá particularmente bem com seu avatar, que não é uma peça programada de IA, mas na verdade um ser humano real interpretado por Butler. Veja, os personagens dos Slayers podem ganhar sua liberdade se vencerem 30 partidas consecutivas - mas a maioria nunca o faz. Quando Hall decide que a seqüência de vitórias de Butler já foi longa o suficiente, em parte afetada pelos esforços do grupo de protesto 'Humanz' (a sutileza é superestimada!), Ele cria uma série de novos jogadores que podem enganar o sistema (liderados por Terry Crews , é claro), enviando Butler para salvar sua vida, digital ou não. Jogador , como o Manivelas , tem peças malucas de ação, cortadas e aparafusadas por cineastas que estão mais em contato com a capacidade pós-moderna e acelerada de nossa sociedade saturada de mídia de digerir informações que mudam radicalmente do que talvez qualquer outro cineasta dos anos 2000. Além disso, um orçamento ligeiramente maior e senso de foco narrativo / visual garantem que Neveldine e Taylor permaneçam no caminho certo, e o senso relativo de “paciência” é perceptível. Além de Hall se divertir mais da sua vida, também temos obras de alegria performativa de mastigar cenários de atores ecléticos como Ludacris e Kyra Sedgwick . Em última análise, eu recomendo Jogador por causa de suas peculiaridades e falhas. Parece que alguém bebeu todos os sabores de Mountain Dew ao mesmo tempo, leu tudo de William Gibson Livros enquanto alguém jogava Engrenagens da guerra no fundo, fez 18 corridas suicidas e depois desenvolveu um roteiro. Se Mad Max: Fury Road é elogiado aos céus por seu ritmo implacável, estética suja e visão cristalizada e singular de caos, certamente Jogador também merece um pouco de amor.

Tron

Imagem via distribuição Buena Vista

o homem formiga e as cenas de crédito da vespa

“É uma aventura épica que todos irão gostar!” ostenta a Disney + sinopse para Tron . Discordo. eu acho Tron , o filme de ficção científica de 1982 da Mouse House, para ter o gosto adquirido. Seu uso nascente de imagens geradas por computador, embora merecidamente considerado revolucionário na época, evoluiu para parecer uma escolha visual peculiar, rígida e idiossincrática. Seu ritmo é lento, seu roteiro é denso, sua trilha é completamente boba, suas performances não são direcionadas para o divertimento familiar convencional. Mas isso não significa que eu acho Tron é relegado a uma relíquia educacional não digna de um relógio prazeroso. Se você pode entrar em seu comprimento de onda, Tron toca como um filme refrescantemente não ortodoxo de Amblin - como se os anos 1980 Steven Spielberg dirigiu um roteiro de Steven Spielberg dos anos 2000. Jeff Bridges , entregando um trabalho excelente e surpreendentemente não afetado como de costume, interpreta o programador de computador Kevin Flynn, enviado para viver em seu próprio videogame pelo malvado tech-corp ENCOM. Ele tenta o seu melhor para voltar ao mundo real enquanto compete com as várias IAs e algoritmos do jogo de formas existenciais (os programas são versões personificadas dos programadores da vida real!) E físicas (motocicletas leves e batalhas mortais de techno-frisbee! ) Estou apaixonado pela aparência dos personagens digitais - o resultado de uma combinação de procedimentos tecnológicos exigentes e estilização atípica dirigida pelo autor no reino dos efeitos visuais. Liderado por Moebius , também conhecido como criador de quadrinhos francês Jean Giraud , o mundo do jogo é tão peculiar - cores primárias renderizadas em ângulos agudos sobre renderizações de wireframe inacabadas. Os atores do jogo foram fotografados em filme preto e branco de 65 mm, filmagem que foi cuidadosamente transferida usando uma miríade de processos fotoquímicos / digitais que levariam horas para completar um único quadro. O resultado parece encantador e perigoso, digerível, mas à distância de um braço. Em outras palavras, Tron é talvez o nosso melhor filme que falou sobre os primeiros dias dos videogames. É Pong vai destruir a todos nós, cativar a todos nós, ou ambos?

Tron: Legado

Imagem via Walt Disney Studios Motion Pictures

Quando os historiadores do cinema falam sobre o desejo difundido dos anos 2000/2010 de reiniciar propriedades passadas em um tom recém-silenciado, realista e 'corajoso', eles podem falar sobre O Cavaleiro das Trevas como o pico e Esquadrão Suicida como o nadir. Eu só espero que eles dêem algum tempo para dar Joseph Kosinski Estreia na direção, 2010 Tron: Legado , mais do que uma nota de rodapé. O filme veste “corajoso” como um blazer justo e pronto para a passarela. Suas cores são dessaturadas para cinzas claros e azuis claros, permitindo apenas erupções de neon em suas sequências de ciclo de luz. Ah, e suas sequências de ciclo de luz se movem em um ritmo vertiginoso e violento, usando cinematografia primitiva de Claudio miranda para enquadrar cada momento do esporte sangrento como uma pintura de claro-escuro cyberpunk. Seu Daft Punk pontuação, combinando o eletro duo Humano Apesar de tudo -um funk niilista com uma maldita orquestra sinfônica, batidas diretas. Tron: Legado é o filme raro que é muito divertido de assistir, não apesar de seu tom opressivamente escuro, mas por causa dele (também por causa de Olivia Wilde Desempenho incrivelmente divertido como Quorra). Mas, há um elefante digital na grade para discutir. Sua estranheza além da estranheza totalmente em CG 'jovem Jeff Bridges', embora especialmente inquietante em uma sequência de flashback com seu filho, faz maravilhas para a narrativa do filme quando ele se torna o principal antagonista, Clu (Codified Likeness Utility). O personagem contrasta visualmente com a pele apropriada para a idade de Jeff Bridges, narrativamente com o conflito entre inteligência artificial malevolamente eficiente e natureza humana teimosa, e até mesmo em um nível meta. Kosinski, cujos comerciais carregados de efeitos visuais para Engrenagens da guerra e Halo 3 ganhou-lhe as chaves para o Tron legado, sabe precisamente como criar imagens e mundos CGI emocionantes e imersivos em suas narrativas sem qualquer problema. Exceto Bridges ’Clu, é claro, que simplesmente não parece certo. Mas os limites tecnológicos de Kosinski acabam ampliando o impulso principal do filme, e de muitas obras de ficção especulativa: o ser humano sempre triunfará sobre a tecnologia, por causa dessa coisa certa e teimosa. Tron: Legado portanto, funciona como um lembrete particularmente brilhante e elegante de que, no final do dia, são os humanos que jogam videogame, e não o contrário.

Jogos de guerra

Imagem da MGM / UA Entertainment Company

Na edição do verão de 1983 da Linha suave , uma revista dedicada às primeiras notícias sobre computadores da Apple (vale a pena ler se você quiser fazer uma viagem pela via de bytes da memória), John Badham 'S Jogos de guerra é descrito como o primeiro filme que apresenta a presença de computadores e videogames como um dado, ao invés de um novo conceito. “O filme não poderia existir se o microcomputador não existisse como um fenômeno generalizado. Ela considera o micro e as telecomunicações como um dado - parte da paisagem da classe média americana. ” Assistindo Matthew Broderick (encantador como sempre) amplie seu caminho através de sistemas de computador aparentemente complicados com facilidade em seus dedos e malícia soará familiar para qualquer espectador que cresceu com a Internet quando criança (Broderick) ou adulto (os oficiais militares que diga coisas como “Não entendo muito bem esses computadores”). Talvez cérebros mais jovens sejam mais capazes de reconhecer e adaptar instantaneamente novos padrões em suas vidas. Pode ser por isso que a imagem clichê de um jogador de videogame costuma parecer mais jovem - a capacidade de reconhecer e adaptar novos padrões instantaneamente, afinal, está no cerne dos jogos. Mas e se essa habilidade for usada para uma vantagem excessiva? Contra um sistema igualmente grande e reconhecedor de padrões, mas sem a vantagem humana do pensamento crítico fora do padrão? Então você teria a deliciosa premissa de Jogos de guerra , no qual o habilidoso hacker / gamer Broderick acidentalmente inicia uma cadeia de eventos que pode levar à Terceira Guerra Mundial porque ele - e o computador militar que ele invadiu - pensa que ele está jogando um videogame divertido. Se o distópico jogar videogame em Espelho preto episódios como 'Bandersnatch' ou 'Shut Up and Dance' são muito sombrios para você, Jogos de guerra explora muitos dos mesmos temas com um toque mais leve, um senso de humor crepitante e uma resolução que é tão otimista quanto existencialmente estressante. Grande parte da cultura do videogame está saturada de imagens de violência realista. Jogos de guerra nos lembra que a violência real não é algo com que brincar.

Limite do amanhã

Imagem via Warner Bros.

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Se você quiser saber como é ser um personagem senciente de videogame combinado com um jogador, Limite do amanhã é provavelmente a experiência de filme mais próxima que você terá. Plopping o dia da Marmota dispositivo narrativo para o mundo de um atirador alienígena / militar sujo em terceira pessoa, o Doug Liman -imagem dirigida, baseada no aclamado romance de mangá de 2004 Tudo o que você precisa é matar , faz uma das minhas coisas favoritas que você pode fazer com Tom Cruise : Isso o torna um covarde. Como Magnólia antes, Cruise fala muito neste filme, escondendo sua falta de experiência no campo de batalha com o tipo de bravata chorona que sai do escudo confortável de uma mesa. Mas quando ele é forçado a lutar para atirar em alguns alienígenas, ele terá um rude despertar. E então um rude despertar. E então um monte de despertares mais rudes seguidos. Veja, toda vez que ele morre, ele acorda e começa a batalha novamente. Transformando sua jornada, efetivamente, em um nível de videogame - um run-and-gunner resistente e baseado em padrões como Cuphead . Nós o observamos aprender com seus erros, descobrir onde se esquivar em vez de ficar parado, sentir o ímpeto temporário da vitória conforme ele se aproxima da conclusão, morrer novamente, reaparecer e adicionar suas novas lições. Soa familiar? Ao longo do caminho, ele encontra o incomparável Emily Blunt , seu relutante aliado transformado em sábio que absolutamente pulveriza os inimigos alienígenas e decide ensinar a Cruise o básico de ser um soldado adequado (pense em um guia de nível tutorial cruzado com uma visão sem besteira de GLaDOS cruzado com seu irmão mais velho que zombou de por morrer muito cedo no Mundo 1-1). À medida que os dois lutam e se rebelam e o filme mergulha mais fundo em seu senso de humor perverso (que se projeta brutalmente contra os atos perversos de violência indiferente), a sensação de 'a experiência de jogar videogame' vem cada vez mais para o primeiro plano do filme.

Exceto: conforme a narrativa fica complicada, também fica o colapso entre 'jogador' e 'personagem'. Os sentimentos de dor e frustração de Cruise, ao mesmo tempo que imitam as frustrações que um jogador pode ter, vêm com um nível extra de crise devido ao fato de ele as ter vivenciado pessoalmente. Se você já sonhou em voar para seu videogame favorito, Jumanji: o próximo nível pode mostrar a você a versão dos sonhos, e Limite do amanhã pode mostrar a você o pesadelo mordazmente engraçado.

O bruxo

Imagem via Universal Pictures

Fiquei muito, muito surpreso assistindo O bruxo . Sua reputação, pelo menos entre amigos que falaram comigo sobre isso, parece ser um clássico do campo cheio de colocação de produto banal. Um artefato útil apenas para uma rápida sacudida da nostalgia da Nintendo do final dos anos 80. Isso é o que eu esperava - não, ansioso - quando comecei. E sim, há momentos do filme que param completamente para que possamos nos deleitar com a glória dos jogos da Nintendo, como Super Mario Bros. 3 (que é, para ser justo, um jogo glorioso). E sim, há um momento em que um personagem, usando o acessório de controle de curta duração conhecido como Power Glove, diz a frase imortal: “Eu amo a Power Glove. É tão ruim. ” Mas entre todos esses momentos cafonas está uma narrativa quase perversamente sombria sobre famílias disfuncionais, pais e filhos, divórcio, trauma e a maldita morte de uma criança. Estou pasmo e pasmo com o quão implacavelmente sombrio este filme quer ser.

Apesar de sua iluminação brilhante e plana, trilha sonora frequentemente boba e notáveis ​​artistas infantis, tudo está a serviço (e, portanto, em conflito com) coisas profundas e pesadas. E sabe de uma coisa? Estou feliz por ter chegado lá e sinto que isso puxa tudo para fora. O personagem-título do Mago é um menino chamado Jimmy Woods ( Luke Edwards ) que sofre de uma doença mental nunca mencionada pelo nome, que pode ser exacerbada em parte pela morte de sua irmã. Quando seu irmão Nick ( Fred Savage ) descobre que Jimmy é incrível em videogames - tão incrível que eles podem ganhar dinheiro - eles fazem uma viagem improvisada para um torneio de videogame, pegando um jovem Haley Brooks ( Jenny Lewis , que se tornou um músico incrível) ao longo do caminho. E agora, caro leitor, vou me tornar muito pessoal com você. Embora a doença mental de Jimmy nunca tenha um nome, para mim parece muito autismo. E quando eu tinha mais ou menos a idade dele, fui diagnosticado com autismo. Como Jimmy, eu tinha problemas para me comunicar, com gatilhos emocionais parecendo ondas de maré. Como Jimmy, encontrei conforto nas rotinas, tradições e padrões - muitas vezes para confundir a família e os amigos. E, como Jimmy, a síntese de padrões na diversão social dos videogames me ajudou imensamente. De repente, minhas necessidades incompreensíveis se tornaram ativos, em vez de detratores. E não é exagero dizer que credito minha descoberta de videogames como um grande passo em minha jornada para entender minha colocação no espectro (ao lado de muita terapia e trabalho autônomo, que não posso recomendar o suficiente).

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Sua milhagem pode variar em termos de representação com este filme - novamente, a palavra 'autismo' nunca é mencionada uma vez, e eu certamente poderia entender o argumento de que seu 'savantismo casual' é um exemplo de uma das muitas generalidades de Hollywood sobre o transtorno (ie Homem chuva , O bom doutor ) Mas por mim? Eu vim para o filme esperando uma fatia de diversão boba de perseguir videogame. Saí tendo visto um novo favorito. Em outras palavras: eu amo O bruxo . É tão ruim.

O Rei de Kong: um punhado de quartos

Imagem via Picturehouse

Um documentário, um thriller de suspense, uma exposição, uma história universalmente de Davi versus Golias, um exame minucioso de uma das subculturas mais específicas que temos. O Rei de Kong: um punhado de quartos é um monte de coisas. Acima de tudo: é incrivelmente divertido. Seth Gordon O documento rigidamente estruturado mergulha de cabeça no mundo das competições de recordes de jogos de arcade: especificamente, para Donkey Kong , um dos jogos de arcade mais influentes já feitos. No início do filme, o homem com a pontuação mais alta de Donkey Kong é Billy Mitchell , um homem que você vai adorar odiar à primeira vista. Ele é um fornecedor de molho picante com sede na Flórida, que possui uma tainha escaldante, uma gravata com a bandeira americana e uma atitude opressivamente arrogante e desprezível. O homem que o desafia é Steve Wiebe , um homem que você vai adorar amar à primeira vista. Ele é um engenheiro desempregado, um humano doce, bem-humorado, quieto e incomparavelmente bom em brincar Donkey Kong (e não sendo um idiota sobre isso). Ou ... “incomparável” não é bem a palavra certa? Embora os números alcançados por Wiebe certamente pareçam cimentar seu lugar na história dos jogos, uma litania de fatores, desde a construção de placas de circuito de gabinete até a validade das cópias em VHS e a simples e antiga natureza humana, complica as coisas a cada passo. Embora, por design, O rei de kong está interessado em explorar estruturas de poder retro, desde os jogos em exibição até a masculinidade tóxica em exibição, ainda parece um relógio relevante, uma vidente no estilo Nostradamus no mundo do streaming de celebridades no YouTube e controvérsias de e-sports. E embora o final do filme possa não fornecer o final tradicionalmente catártico que você desejaria em uma história como esta, pesquise no Google depois de assistir. Evitando spoilers o mais cuidadosamente possível, os recursos bônus deste filme realmente reescreveram parte da história do filme. Afinal, não seria um videogame sem DLC.

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Scott Pilgrim vs. O mundo

Imagem via Universal Pictures

Scott Pilgrim vs. O mundo , a Edgar Wright - clássico culto dirigido baseado no Bryan Lee O'Malley clássico de culto, não é explicitamente sobre videogames. É explicitamente sobre amor, o passado, superando traumas, crescimento, música e autorrealização. Mas essa coisa está impregnada de cultura de videogame, de sua estrutura narrativa à estética, de maneiras simplesmente agradáveis ​​e complicadas. A primeira imagem que vemos é o logotipo da Universal feito em um estilo robusto e pixelizado, com sua música tema icônica renderizada em sintetizadores de 16 bits. A segunda imagem que vemos é uma tomada em cascata estabelecendo um conjunto imediatamente familiar A lenda de Zelda estabelecendo cue - uma boa abertura para a melodia completa usada mais tarde em uma paisagem de sonho surreal. Wright sempre saturou seus filmes e os personagens principais de seus filmes com reverência à cultura pop e Scott Pilgrim (E do jovem Neil) quase idolatrada pela vibração dos videogames brilha por toda parte, de Bill Hader 'S 'narração do jogo de luta', para a mudança de linguagem visual e relações de aspecto do filme, para a estrutura de enquadramento de todo o enredo. Derrotar um monte de pessoas em uma fileira, incluindo um “chefe final” para conquistar o amor de uma garota? Soa como qualquer videogame da era de ouro para mim. Mas para Wright e co-escritor Michael Bacall , nem tudo que é ouro reluz. Scott Pilgrim’s ( Michael Cera ) tendências de viver a vida como se ele fosse o protagonista de um videogame o atrapalham, atrapalham e, francamente, o fazem parecer um idiota egoísta. Seu lançamento casual de Facas Chau ( Ellen Wong ) para ir atrás de Ramona Flowers ( Mary Elizabeth Winstead ) é tão abruptamente insensível quanto suas lutas contra os 'ex-namorados do mal' de Ramona. E as resoluções finais do filme para esses três personagens complicam tudo o que foi visto antes, incluindo (e ainda usando) a linguagem dos videogames (“Scott ganhou o poder do respeito próprio!”). Como pensamento final: se você gosta deste filme, você deve a si mesmo jogar o videogame beat ‘em up retro de 2010, que é viciante, surpreendentemente profundo e apresenta uma trilha sonora incrível de maestros chiptune Anamanaguchi .

Wreck-It Ralph

Imagem via Disney

Se você já jogou um videogame, Wreck-It Ralph é para você. Se você já viu um filme da Disney, Wreck-It Ralph é para você. Se você já se sentiu condenado ao ostracismo, se alguma vez buscou aceitação, se alguma vez teve que fazer algo ruim para alcançar o que pensava ser um bem maior: Wreck-It Ralph é para você. É, na verdade, para todos, uma comédia que abrange todo o público e atinge alturas elevadas em meio a um enredo incrível de videogame. O personagem-título, expresso com pathos doloroso por John C. Reilly , está cansado de ser o vilão de seu videogame. Ele quer ser um herói, ser celebrado, ganhar uma medalha maldita pelo menos uma vez. Então ele salta fora de seu jogo e viaja para outro, encontrando o colega desajustado Vanellope von Schweetz (o perfeito Sarah Silverman ) em um Mario Kart -combinado-com-jogo de doces. Os dois podem ajudar um ao outro a encontrar a autoatualização? Wreck-It Ralph responde a esta pergunta e depois dá a seus espectadores a mistura perfeita de piadas, puxões emocionantes e cenários genuinamente impressionantes que falsificam seus gêneros (de jogos de tiro em primeira pessoa corajosos a corredores de kart literalmente açucarados) e nos lembra como esses gêneros são divertidos ( sério, eu preciso de Sugar Rush no meu switch, e preciso agora). Wreck-It Ralph , enquanto nos dá o delicioso Zangief, Sonic, Pac-Man, Bowser e muitos outros Roger Rabbit -esque participações especiais de que precisamos, tem questões fundamentais sobre identidade em sua mente, questões que se escondem nas margens de cada videogame que já jogamos. Quando jogamos um videogame, habitamos outro personagem, fazendo-o fazer o que queremos. Mas e se esses personagens quiserem fazer outra coisa? Pior ainda - e quanto aos personagens não-jogadores, programados para completar a mesma função específica, sessão após sessão? Eles podem se libertar de seu código e seguir sua própria jornada? Wreck-It Ralph disseca essa questão casualmente existencial (em um maldito filme infantil da Disney!) usando Ralph, Vanellope e um terceiro personagem que não vou nomear por medo de spoilers, mas vamos apenas dizer que me assustou na primeira vez que o vi. A pontuação mais alta foi definida: Wreck-It Ralph é o melhor filme sobre videogames já feito.