33 grandes filmes dos anos 70 que o tempo esqueceu

Os anos 70 nos deram um grande cinema de todos os tempos, mas os cortes profundos são tão bons quanto os maiores sucessos.

Os anos 70 são frequentemente considerados a segunda era de ouro de Hollywood. Encorajado pelo sucesso de Dennis Hopper 'S Easy Rider que encerrou os anos 60, muitos dos estúdios mostraram-se dispostos a confiar a jovens produtores, escritores e realizadores para dar uma voz totalmente nova ao cinema. O resultado foi uma lista única de clássicos de novos cineastas independentes, como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman, Woody Allen, Bob Rafelson, Terrence Malick, Steven Spielberg, Hal Ashby, William Friedkin, George Lucas e Peter Bogdanovich , para nomear alguns. A diferença entre eles dos grandes nomes anteriores foi renunciar ao classicismo por uma associação mais próxima com a realidade, por meio de mais sons ou canções de rock 'n roll em vez de partituras, por meio de enredos mais íntimos em seguir um personagem mais do que sua história e se aventurar fora do palco sonoro e sair para o mundo real.



Embora muitos desses nomes tenham sido a base de um novo sucesso de contação de histórias na década, os anos 70 tiveram muitos filmes excelentes que também exploraram o espírito rebelde dos novos autores sem continuar a receber um brilho clássico. Cada década esqueceu os filmes, mas os anos 70 são um tesouro de filmes rebeldes, excêntricos e vivos, mas que já não são mencionados.



Para criar essa lista inicial, eu só tinha um critério: o filme tinha que receber menos de 10.000 votos no IMDb, o que parece ser um bom barômetro sobre se um filme foi ou não deixado para trás no zeitgeist retrospectivo. Com esta metodologia algumas coisas foram descobertas. Em primeiro lugar, muitos dos filmes que poderiam aterrissar aqui eram experimentais com narrativa, ou grindhouse ou estrangeira, o que não é surpresa, é claro. Mas o mais surpreendente foi que muitos dos grandes filmes americanos desta década, que parecem não ter mais seguidores fervorosos, foram dirigidos por um autor aceito como Altman ou Ken Russell , frequentemente apresentava uma protagonista feminina.

Imagem via Paramount Pictures



Os grandes filmes dos anos 70 pertenciam em grande parte aos homens, eram feitos por homens e contavam as histórias quase exclusivamente através dos olhos dos homens e tentavam decodificar o que significa ser um homem honrado. Eles ainda são ótimos filmes, é claro, mas o cinema dos anos 70 foi a primeira barreira real de gênero para os filmes; todos os elogios e prêmios estavam indo para O padrinho, um sobrevoou o ninho do cuco, Rocky, The French Connection, The Deer Hunter etc. e é gritante em comparação com as décadas anteriores, onde filmes liderados por mulheres, como O apartamento, My Fair Lady, The Sound of Music etc., ainda podem ganhar os principais prêmios de filmes até os anos 60. Os anos 70 são quando a aclamação e o prestígio se tornam realmente unilaterais e a grande maioria das imagens de prestígio tem como foco o homem. Posso argumentar que foi então que a ideia de uma foto de homem e a de uma mulher também se estilhaçaram. Desde os anos 70 também nos deu a ideia de um blockbuster que mudou para sempre o cinema, com Guerra das Estrelas , essa divisão aumentou nos anos 80 e só agora estamos começando a ver um retorno aos filmes femininos de prestígio feitos por grandes diretores.

Isso não é para criticar os filmes incríveis como O padrinho, Apocalypse Now, Badlands, Dog Day Afternoon, e cada vez mais os que saíram na década de 70, mas é importante destacar que a maioria dos filmes desta lista - que não receberam apoio inicial de estúdio e não têm mais o apoio de um sistema de votação como o IMDb - apresentam mulheres em os papéis principais. O resto é estrangeiro, franja e safado. Ou, em alguns casos, são a estreia na direção de um diretor que viria a ter seguidores cult, como Walter Hill e Elaine May . Examine algumas das escolhas e diga quais filmes você concorda ou gostaria de conferir, ou quais mega clássicos você acha que estão superestimados.

The Lickerish Quartet (1970)

Radley Metzger foi um pioneiro do erotismo. Enquanto seus contemporâneos gostam Russ Meyer e Latão Tinto passou os anos 70 destacando características femininas específicas (Meyer os seios e Bronze as bundas), Metzger estava fazendo arte que ocasionalmente apresentava fornicação. Não acredite apenas na minha palavra, Andy Warhol chamado The Lickerish Quartet “Uma obra-prima escandalosamente pervertida” e a UCLA restaurou suas impressões de filmes e realizou retrospectivas para destacar seu trabalho. É acadêmico.



The Lickerish Quartet começa em um castelo europeu onde uma família rica assiste a um antigo “filme azul” (como alguém faz com sua família em um castelo), então eles viajam até um circo onde assistem alguns truques ousados. Eles notam que uma motociclista ( Silvana Venturelli ) é muito semelhante à mulher que apareceu principalmente no filme sujo que acabaram de assistir. Então, é claro, eles a convidam de volta ao castelo, onde falam sobre manobras de bicicleta, mostram o vídeo safado e a convidam a realizar cada uma de suas fantasias, uma por uma. Enquanto isso, ela pergunta repetidamente, 'quem está com a arma' e o patriarca da família ( Frank wolff , que teve pequenos papéis em ambos Era uma vez no Oeste e O Grande Silêncio ) tem flashbacks de seu tempo na guerra. Sim, tem sexo e tem música de fantasia boba, mas o que faz Quarteto Lickerish impressionantes - e um dos poucos filmes desse tipo onde você pode assistir à cinematografia, história e design de produção e ainda manter seu cartão de cinéfilo esnobe - são as configurações imaginativas, edição e mudanças de cenário (uma biblioteca se transforma em um dicionário sujo, por exemplo). Você pode ficar com calor, pode rir, mas também se sentirá mal com a guerra e os pais.

Investigação de um cidadão acima da suspeita (1970)

Imagem via critério

Investigação de um cidadão acima da suspeita é a rara obra-prima da qual eu também adoraria ver um remake atualizado dela. Suas preocupações governamentais são tão atemporais, tão maduras, tão entrelaçadas no passado e no futuro tecido da sociedade governante corrupta. Donald Trump certa vez se gabou de ser tão popular com sua base que poderia atirar em alguém na Quinta Avenida e nunca sofrer quaisquer consequências. Bem, isso é como um filme, exceto que muito mais inteligente, curioso e preocupado com o que essa admissão aberta realmente significa.



Um cidadão acima da suspeita apresenta o Chefe de Polícia Romano ( Gian Maria Volonte ) ao entrar no apartamento de um amante que pergunta como ele vai fingir que vai matá-la esta noite, exceto que, em vez de se envolver em sua encenação usual, ele a mata; ele deixa uma confusão de pistas de propósito, curioso para ver se seu status, que é o que atrai a mulher, poderia realmente salvá-lo de quaisquer repercussões por uma ofensa capital. O Ennio Morricone A partitura, que é apenas uma composição de tema repetido, inclui um toque de harpa que permite que você saiba que é normal encontrar o humor em tudo o que se desenrola. Mas, embora o comentário social e a sátira em si sejam muito fortes, o verdadeiro domínio de Elio Petri O filme de é como ele usa os flashbacks entre o Chefe de Polícia e a mulher assassinada, Augusta Terzi ( Florinda bolkan ) Nós a vemos armar uma armadilha, sem que ela mesma soubesse, ficando entediada uma noite e bêbada ligando para a delegacia de polícia para acalmar quem quer que respondesse, descrevendo-se nua em seu apartamento com um intruso e ela está curiosa para saber se alguém lá poderia salvá-la ou se Eu simplesmente a deixaria ser estuprada e ignoraria qualquer relatório futuro. O chefe vem para inspecionar e interessada em seu poder, ela continua a pressioná-lo a fazer coisas pela emoção de estar com muito poder para receber qualquer batida de dedos.

É importante ressaltar que, embora Augusta esteja envolvida nesta dança do macabro, Petri nunca a culpa por sua morte. Bolkan representa Augusta como uma mulher que está se rebelando contra a sociedade, mas essa rebelião a puxa para perto de homens de poder e também de homens do lado revolucionário que querem extinguir esse poder; ela é constantemente agitada por quebrar leis, mas imediatamente cai em uma depressão de consciência, onde o sequestrador não.

Uma distinção importante em Acima de qualquer suspeita é quem é nomeado e quem não é. A maioria dos homens em cargos de governo não são referidos pelo nome, mas sim pelo seu posto, o que os torna não humanos, mas sim o Estado personificado. Aqueles que são nomeados são vítimas ou aqueles que estão sob vigilância por suas tendências comunistas. É uma distinção importante que pós-Mussolini, o fascismo da Itália foi autorizado a continuar, infeccionar e crescer, simplesmente devido ao medo de que o comunismo o substituísse. Além disso, à medida que Petri corta entre suas tentativas de ser descoberto e seu relacionamento anterior com Augusta, percebemos que sua ruína sociopática está ligada ao que na maioria das vezes é para homens de poder, um golpe em seu ego sobre sua virilidade sexual. Embora não seja dito, temos a sensação de que a razão pela qual ele comete esse crime é para que ele possa passar para o Chefe da Polícia Política, para ouvir os revolucionários associando-os à preferência sexual de Augusta porque ela foge para fazer amor com um jovem comunista após rejeitá-lo na praia.

Este é um trabalho simplesmente maravilhoso de corrupção, desejo e tendências sociopatas que se entrelaçam e são fomentadas pelo poder, e se tornam corruptíveis. Uma sala cheia de homens exercendo o tipo de poder que permite que tais perversões de confiança continuem. Homens sem nome, protegendo os seus, as vítimas e a verdade que se dane. Soa familiar?

Os amantes da música (1970)

Os amantes da música obteve esta resposta de um dos maiores críticos de cinema de todos os tempos, Pauline Kael: “Você sente (como) que deveria enfiar uma estaca no coração do homem que o fez.” O homem que fez isso é Ken Russell . Historicamente falando, Os amantes da música segue as tentativas heterossexuais condenadas do famoso compositor Pyotr Tchaikovsky ( Richard Chamberlain ) enquanto ele sobe no mundo musical virando as costas para sua homossexualidade e participando de uma farsa de casamento. É sobre o poder da música, mas também sobre a destrutividade de negar o sexo - de si mesmo e dos outros.

Depois de potencialmente se expor aos compositores veteranos dos famosos Mighty Five da Rússia, Tchaikovsky escolheu sua esposa em uma série de cartas de amor que ela havia escrito para ele sem nunca tê-lo conhecido. Em sua mente, porque ela só conhecia sua música, isso era tudo que ela precisava para amá-lo. Mas Antonia (um incrível Glenda jackson ) precisava de mais do que sua música. Ela também precisava de sexo para se sentir amada. Essa frase pode soar grosseira e Russell às vezes a apresenta como tal, mas também é dolorosa. Há humilhação em recusar alguém por sexo e em ser rejeitado.

Há uma cena magnífica em sua lua de mel em que Tchaikovsky especificamente deixa Antonia muito bêbada em um trem para que ela não precise fazer sexo, mas ela ainda tenta. Ela desmaia nua no chão do vagão deles e os solavancos dos trilhos fazem seu corpo balançar violentamente para frente e para trás; Tchaikovsky olha horrorizado para o corpo vulnerável dela. É esse horror da sexualidade que talvez tenha provocado a reação da estaca de Kael. Para Russell, como diretor, é tudo menos clássico. Ele, como Tchaikovsky aqui, era novo na cena em 1970. E ele radicalizou o que poderia ser feito com um épico histórico. Este não é David Lean. Este é um filme que reencena as visões que criamos quando ele ouve música. E aquele que vê um asilo de loucos como um terreno fértil para, bem, a loucura. Este é o filme mais incomum e barulhento que já recebeu as pinceladas geralmente reservadas aos épicos de aventura.

A New Leaf (1971)

Woody Allen e Mel Brooks recebeu a maioria dos elogios pelas comédias americanas nos anos 70, mas Elaine May merece ser mencionada como igual (apropriadamente, Allen recentemente a escalou para ser sua esposa em sua série na Amazon, Crise em seis cenas ) The Heartbreak Kid é sua obra-prima (e perto de um entretenimento perfeito), mas Uma Nova Folha foi seu começo fantástico.

Folha preocupa Henry Graham ( Walter Matthau ), um idiota de fundo fiduciário que não tem hobbies ou conhecimentos reais. Nós o conhecemos quando ele é informado de que não tem dinheiro real; ele gastou tudo. Em um último esforço para continuar frequentando o country club e vivendo na alta sociedade, ele aposta com o tio que poderá se casar com uma mulher rica em seis semanas. Se ele tiver sucesso, sua dívida será perdoada e, eventualmente, ele matará a noiva logo após a cerimônia para receber sua herança. A própria May interpreta a noiva em potencial, uma mulher desajeitada e estudiosa com quem ninguém fala no clube da alta sociedade.

Uma Nova Folha é um clássico Preston Sturges -comédia pastelão inspirada com uma lição diabólica no final de seu tempo de execução. A entrega impassível de Matthau é perfeita para representar um imbecil sem talento, mas com direito, e como os anos 70 criaram a estrutura para aumentar a disparidade de renda, sua tolice é um corte extra agora. Mas a virada satírica sinistra que May tem na manga é a ideia de que a razão pela qual os homens despacham mulheres e relacionamentos tão facilmente é porque eles estão procurando alguém que lhes dê um legado. Para muitos, é um herdeiro para dirigir uma empresa com o nome deles, mas para o almofadinha de Matthau, é ter uma nova espécie de planta com o seu nome. Esse gesto o fará virar uma nova página e pensar em alguém que não seja ele mesmo?

The Boy Friend (1971)

Ken RussellSandy Wilson Sucesso da Broadway O namorado algum filme razzle-dazzle. A peça em si é sobre os loucos anos 20 e dois jovens se apaixonando contra a vontade de seus pais. Esta adaptação diz respeito a um substituto ( Twiggy ) em uma casa de espetáculos em Londres dos anos 1920, que começa a ensaiar atrás da estrela (um Glenda jackson camafeu) sofre uma lesão pela produção de, você adivinhou, o que se tornará “O amigo menino”. Muitas das canções populares de Wilson permanecem aqui, com uma história paralela sobre um produtor de cinema que estava na platéia procurando lançar o próximo grande sucesso, e o substituto começando a se apaixonar pelo protagonista masculino ( Christopher Gable ), pois ele ajuda a aumentar a confiança dela durante o ensaio.

O namorado é longo demais, mas tem alguns dos cenários e figurinos mais incríveis de qualquer musical. Como este é Russell, esses designs criam devaneios dos performers também, não apenas da produção. É um filme deslumbrante para o design. E Twiggy, a modelo, é bastante natural como a estrela não natural que tem o fator it que o produtor de cinema está procurando. Russell disse que fez este filme como uma limpeza para os tumultuados e intrometidos do estúdio Os demônios (Veja abaixo). Como tal, é fácil ver por que é longo demais, já que Russell provavelmente só precisava de um pouco de alegria brilhante em sua vida. Fãs de La La Land encontrará alguns acenos de design de conjunto aqui.

The Devils (1971)

Ken Russell 'S Os demônios é menos esquecido e mais difícil de encontrar. É sempre solicitado que seja adicionado à Criterion Collection, mas a Warner Brothers parece decidida a nunca mais abrir mão dos direitos. O estúdio bloqueou o lançamento de um Blu-ray, permitindo ao BFI apenas exibi-lo na Inglaterra se estiver listado como uma experiência educacional e a versão que eu e muitos fãs de filmes vimos, nos Estados Unidos, vem diretamente de Martin Scorsese Coleção própria, que ele empresta para uma exibição ocasional (apenas para animá-lo). Para aumentar a intriga, Guillermo del Toro acusou o WB de mais de 40 anos de censura ao nunca permitir que atingisse o vídeo doméstico. Este é o estúdio que lançou amplamente O Exorcista - que incluiu a cena de uma pré-adolescente possuída apunhalando sua vagina com um crucifixo e, em seguida, forçando o rosto de sua mãe em suas partes íntimas enquanto resmungava “me lamba” - apenas dois anos depois. Então, em uma época em que os catálogos anteriores dos estúdios estão amplamente disponíveis, por que este filme fica guardado a sete chaves?

Os demônios gira em torno de um sacerdote vaidoso ( Oliver Reed ) e a freira corcunda ( Vanessa Redgrave ) que o deseja tão profundamente que o acusa de bruxaria e outras freiras do convento aderem à acusação porque a acusação permite que se comportem como se estivessem sob um feitiço sexual e, portanto, ficam mais livres para praticar seus desejos do que a igreja permitirá. É uma obra-prima maluca, como muitos dos filmes de Russell são. E quando as freiras se entregam, isso traz à tona o lado anárquico e caótico do autor. Esta é uma das maiores performances de Redgrave e é uma crítica interessante da religião e da supressão do desejo. Agora, o filme é tão alardeado por sua própria supressão que provavelmente pareceria inofensivo pelos padrões de hoje, o que torna o comportamento de WB ainda mais estranho (no modo de pensar de WB, apresentações blasfemas dirigidas a uma criança em posse são mais adequadas para o público, mas apresentações blasfemas que estão sendo falsificadas por um convento não são).

Observe, há duas cenas de masturbação que foram cortadas da impressão teatral para receber um breve lançamento proibido para menores no Reino Unido e nos EUA, que eu vi um, e não é gráfico, mas é perturbador e sombriamente humorístico, questionando se todos os cristãos praticam sua religião para purificar seu coração ou porque lhes dá a capacidade de controlar os outros. Talvez seja o desejo óbvio de fontes externas de cinéfilos, como a Criterion Collection, de lançar essa filmagem como um recurso bônus que mantém o filme suprimido. Ou talvez, como Nascimento.Filmes.Morte notas , é apenas um velho executivo excêntrico que tem uma vingança pessoal contra o filme e só precisamos esperar que essa pessoa morra (como muitas abordagens retrógradas de pensar hoje em dia) e finalmente todos seremos capazes de decidir por nós mesmos se podemos lidar com este filme ou não. Se você já viu este filme listado em suas listas locais para uma exibição de uma noite, vá.

10 Rillington Place (1971)

Imagem via Columbia Pictures

À atenção de: Murderinos, 10 Rillington Place é um conto de assassino em série esquecido fascinante e desconfortável verdadeiro em que o homem mais abraçável de nosso Jurassic Park / Miracle em 34ºrua infância, Richard Attenborough , matam mulheres, fazem sexo com seus corpos inconscientes, estrangulam-nas, enterram-nas no quintal e enquadram outra pessoa por isso! Algo que fundamenta este filme, ao invés de sensacionalizar os atos, é como ele mostra repetidamente como a sociedade patriarcal (e a sociedade de adoração aos veteranos) permite que o assassino opere com facilidade. Ele ganha confiança por meio de sua voz educada e sua declaração de práticas medicinais anteriores. Seus inquilinos ( John Hurt e Judy Geeson ) são um casal jovem e muito pobre com um filho. A esposa quer fazer um aborto porque não tem dinheiro para um segundo filho, porque ele é analfabeto e o único que pode ingressar no mercado de trabalho. John Christie (Attenborough) é seu vizinho e ele pode mandar em sua esposa ( Pat Heywood ) para se ausentar sempre que necessário para o seu «trabalho» como único fornecedor. É seu histórico de guerra que mantém suas prisões anteriores suprimidas. E é o sistema que favorece veterinários, homens educados e uma força policial preguiçosa que permite que ele continue, mesmo depois que os corpos são descobertos.

Attenborough é nauseante e fascinante, Hurt é magnífico e o diretor Richard Fleisher ( The Fantastic Voyage ) leva bem ao realismo da pia da cozinha da Grã-Bretanha depois que Hollywood o descartou após alguns fracassos de estúdio. A tristeza na postura de Attenborough quando ele derrama um chá envenenado que ele não poderá usar para estupro e assassinato porque os encanadores vieram é uma atenção tão agradável para a quantidade de controle que este homem está acostumado a ter dentro de sua casa.

O público não estava tão acostumado a filmes de assassinos em série em 1971 como está agora, então começar o filme com um ator amado arrastando uma mulher inconsciente para o chão para fazer o que queria com ela foi chocante em 1971, então faria sentido que Fleisher se concentraria em dois atos grizzly e no erro judiciário e não forçaria o público a suportar mais mortes da história real. Mas agora que temos uma obsessão por serial killer no cinema / TV, os 10 minutos finais de justiça mal feita podem ser o seu próprio filme; como esse monstro continuou e por que o Reino Unido aboliu a pena de morte por causa disso. Ainda assim, embora haja uma corrida através de um julgamento no final, isso é habilmente compassado, nauseante e maravilhosamente executado.

Wake in Fright (1971)

Imagem via United Artists

Da Austrália Acordar com medo é o mais artístico Ressaca Filme estilizado e meu pesadelo pessoal: estar cercado por uma horda de homens degenerados que bebem, jogam, lutam, dispensam mulheres e matam animais por esporte, sem nenhuma opção disponível para deixá-los para trás. Gary Bond é um professor que faz uma aposta ruim no jogo e depois é abandonado em uma cidade cheia de homens bêbados e violentos (liderados por Donald Pleasance ) que tentam forçá-lo a ficar tão bêbado e violento quanto eles.

Esta história de prevaricação masculina é mais assustadora do que Libertação porque esses homens são mais identificáveis, e o desejo de dominar sexualmente outros homens é mais sugerido do que demonstrado. A extensão laranja do deserto é lindamente iluminada. Mas esteja avisado, a caça ao canguru é nojenta, parece real porque o diretor Ted Kotcheff usou filmagens reais que encontrou; isso era para confrontar seu público, com o aumento da caça ilegal de canguru ocorrendo para esportes masculinos, e era parte integrante do aumento das regulamentações, mas 40 anos depois, sem essa consciência do tempo, é incrivelmente difícil de assistir, então saber que de antemão não é apenas necessário aviso, mas também é necessário saber as razões pelas quais foi incluído em primeiro lugar. E os traços negativos dos homens em grupos que fazem as piores escolhas repetidamente são atemporais. Embora ele tente de várias maneiras, o professor não consegue deixá-los para trás; é como se ele estivesse em um globo de areia.

Kotcheff é mais conhecido por dirigir o primeiro Rambo filme, Primeiro sangue , mas ele iria entorpecer esses temas de fraternidade para filmes de festa americanos, como North Dallas Forty e Fim de semana no Bernie's (!!). Mesmo que os homens em Bernie Estão saindo com um cara morto, prefiro chutar com esses caras do que com esses monstros.

Little Murders (1971)

Fui apresentado a Pequenos Assassinatos , uma sátira hilária da febre do casamento, por meio de um amigo que estava se casando. Ela queria que a pessoa que supervisionava seus votos assistisse ao clipe de Donald Sutherland O pastor enquanto faz uma apresentação de casamento sobre como o 'negócio do casamento' merece 'um abandono do ritual na busca pela verdade.' Os assuntos sobre os quais Sutherland fala enquanto Elliott Gould e Marcia Rodd aguardar para casar são quantos dos casamentos que ele presidiu terminaram em divórcio e as muitas razões pelas quais esses casamentos fracassados ​​ocorreram; masturbação, drogas, desinteresse. É realmente uma análise hipnotizante, hilariante e verdadeira de rituais e casamento e como a razão de todos para se casar está 'tudo bem' e também suas decisões de sair, porque por mais que gostemos de ver o casamento como uma fusão de duas identidades, essa é a versão falsa.

garotas gilmore por ano nas avaliações de vida

Assista ao monologo aqui e se você concorda que este é um discurso muito legal, dê Alan Arkin A estreia na direção de um giro. É cheio de humor, imensamente inteligente, embora leve um desvio estranho para o terceiro ato, é um dos filmes mais engraçados de uma década que estava passando dos anos 60 de volta a rituais atemporais. Quanto aos assassinatos? Como muitos filmes desta lista, é uma cápsula do tempo da extremamente perigosa e suja Nova York dos anos 70. E quanto à futura esposa que me apresentou ao filme? Ela ainda é casada e está dando os retoques finais em um Hal Ashby documentário isso deve começar a ser exibido em 2017. E para quem está lendo esta lista, é preciso procurar, porque Ashby é talvez o autor principal mais esquecido dos anos 70.

Minnie e Moskowitz (1971)

Minnie e Moskowitz poderia facilmente ser renomeado como 'Homens que gritam com Gena Rowlands Sobre por que eles devem ser um item ”. Mas com John Cassavetes script, a gritaria é divertida. Prova A, Zelmo Swift ( Val Avery ), um cara rico de nome engraçado que tem 'pavor de mulheres' e um conversador muito ruim para um encontro, mas ouro puro de cinema para o namorado do inferno que fala sem parar sobre sua aparência e como ela é 'incrível' sem nunca permitir que fale . Prova B, o valete de bigode selvagem, Seymour Moskowitz ( Seymour Cassel , Jason Schwartzman O pai de Rushmore ) Moskowitz resgata Minnie do final daquele encontro e imediatamente tenta levá-la para um encontro de cachorro-quente. Ao contrário de Zelmo, ele faz perguntas, mas Minnie mal responde.

Minnie e Moskowitz apresenta seus dois personagens principais enquanto eles têm uma conversa separada sobre cinema. Em última análise, este é um insight de sua visão de mundo. Seymour vê os filmes como uma fuga e Minnie os vê como uma falsa esperança (“Eles armaram para você. E não importa o quão brilhante você seja, você ainda acredita.”). Cassavetes segue a fórmula de encontrar fofo / cavaleiro de armadura brilhante de um romance de cinema, mas em vez disso, tem como 'prêmio' uma mulher que desistiu e está perto do coma devido a qualquer sentimento emocional. Minnie representa o quão feio o mundo pode ser e como os filmes podem se tornar tristes por dar esperança e Seymour representa o quão vivo o mundano pode se tornar apenas com a mentalidade de procurar entretenimento. Um é bem-sucedido; o outro está um passo acima do vagabundo (mas ele também é gentil com os vagabundos e meio que mau com as pessoas de sucesso). A busca de Seymour não é exatamente romântica, mas o romance parece possível entre eles e essa é a jornada deste filme: apresentar a possibilidade do romance em vez da versão do filme onde o romance é selado pelos créditos finais.

Imagens (1972)

Robert Altman O conto claustrofóbico de uma mulher enlouquecida foi prestado um péssimo serviço pelos críticos de cinema em 1972 e essencialmente anulou seu amplo lançamento. Susannah york ganhou o prêmio de Melhor Atriz no Festival de Cinema de Cannes daquele ano, mas os maiores jornais de Nova York se recusaram a cobri-lo e as poucas críticas do Festival de Cinema de Nova York acabaram com suas chances de distribuição posterior. É estranho pensar com que frieza os críticos receberam o filme de Altman, mas ele tinha acabado de fazer M * A * S * H e McCabe e Sra. Miller , duas obras-primas narrativas envolventes e diretas e Imagens provavelmente parecia uma bagunça na época. Mas vendo agora, depois de muitas de nós termos visto outros filmes femininos demente, como Noite de abertura, Mulholland Drive, Cisne Negro, Rainha da Terra e muitos mais, é um relógio bastante natural e perfeitamente executado por York, Altman e o cinegrafista, Vilmos Zsigmond .

Essencialmente, Imagens é uma releitura visual de Ingmar Bergman 'S Pessoa . No filme de Bergman, uma enfermeira confessa um evento sexual a um paciente mudo e então sente que esse paciente tem poder sobre ela porque conhece seu segredo mais sombrio. Mas enquanto Pessoa usou um longo monólogo para essa confissão, Imagens usa, você adivinhou, imagens.

Dentro Imagens , é uma mulher casada que sabe que traiu o marido; o primeiro homem com quem ela traiu morreu em um acidente de avião, e agora ele a está assombrando em sua casa de verão de caça. Um homem que mora nas proximidades sente seus danos e pensa que ela está enviando sinais de fantasia de estupro, então ele a visita enquanto seu marido caça. Seu retiro de verão é uma casa mal-assombrada de insultos masculinos e desejo sexual (tanto dos mortos quanto dos mortais). Ela pensa que mata todos eles, mas que homem ela realmente mata?

Este é um dos exercícios mais impressionantes de Altman em humor e trabalho de câmera (também é uma das pontuações mais estranhas e emocionantes de John Williams , cheio de nervos torcidos). Cabeças de veado agourentas, narração sussurrada, pranchas de piano, movimento de câmera que mostra um assassinato em sua mente e então pode revelar a verdade no mesmo quadro, sim, Imagens mal recebeu um lançamento, mas você pode ver sua influência sobre os futuros cineastas, como a mancha de sangue de um cadáver arrastado da cozinha.

Sounder (1972)

Martin Ritt A adaptação do romance simbólico para jovens adultos de William H. Armstrong poderia realmente precisar de uma remasterização. Como está atualmente, tem a aparência e o som de uma adaptação de TV antiga, mas não deixe que você desconsidere o filme. Sonda é um filme poderoso sobre a linha tênue que uma família negra deve seguir para ter sucesso na sociedade. Depois de outra caçada sem sucesso, um pai ( Paul Winfield ) rouba presunto para seus filhos e é preso e enviado para uma gangue e sua esposa ( Cicely Tyson ) e filho mais velho ( Kevin Hooks ) repetidamente ouvem do lojista, do xerife e das mulheres locais que lhes enviam suas roupas sujas, como eles “se deram mal” por eles como uma família. É comovente ver como os Morgan são tratados como se devessem sentir vergonha em seu trabalho, porque é um privilégio percebido para eles trabalharem e, portanto, o desejo da cidade por gratidão agora se transforma em um desejo de uma troca em desgraça .

Tyson mostra uma força duradoura para ser julgada apenas por seu trabalho, ela não faz sermões no papel de matriarca, e Sonda é discretamente feminista enquanto tenta incutir sua própria honra separada, fora da unidade familiar. Hooks finalmente foge com seu cachorro de confiança para localizar em qual gangue de cadeia seu pai está. Ele tropeça em uma escola com um professor que não o julga pelo crime de seu pai e lhe oferece ajuda para aprender a ler. O que faz o Sonda uma adaptação bem-sucedida de um livro amado é o uso de som de Ritt, sua confiança nos intérpretes para executar o não dito e para deixar a tese do livro nunca declarada abertamente, mas em vez disso, ela se revela ao público com sutileza. Sonda é uma adaptação muito adulta de um popular livro infantil, manuseado com graça e dignidade.

Tráfego intenso (1973)

Ralph Bakshi 'S ( O senhor dos Anéis ) filmes de animação não mágicos são difíceis de assistir e de recomendar, mas também são essenciais para qualquer pessoa interessada em ver a Nova York dos anos 70 da lata de lixo. Fritz o gato perverteu o movimento da contra-cultura e Coonskin é uma visão feia do racismo urbano, por exemplo. Trafégo pesado é seu filme mais pessoal, sobre um jovem cartunista vagando pelas ruas de Nova York como uma forma de sair de sua casa abusiva e, como tal, não parece que ele está tentando provocar ou intimidar, mas sim confessar que viu muitos merda difícil em sua época, mas de alguma forma ainda viveu para ver muitos dias. Mas no final do túnel, que está cheio de prostitutas, strippers, capuzes e vagabundos, ele ama sua cidade natal. É a cidade que nunca dorme porque há muitos estímulos decadentes. Considere-se avisado, seus filmes não têm espaço para sensibilidade, mas sim um teste de resistência. Exatamente como ele vê sua cidade e sua vida doméstica.

Trafégo pesado é um sonho febril, um Dante dos anos 70 Inferno , e observá-lo é adicionar contexto adicional à observância de Travis Bickel em Taxista que alguém pudesse ficar tão superestimulado por prazeres baratos que pediria 'uma verdadeira chuva para lavar e lavar toda essa escória das ruas'. Na verdade, quando Martin Scorsese estava atirando Taxista eles tiveram que interromper a produção por um breve período, quando um protesto contra Bakshi's Coonskin resultou em uma bomba de fumaça explodindo nas ruas fora do teatro. Scorsese enviou a filmagem para Bakshi, que disse que 'não sabia se ria ou chorava'. Em algum lugar em Trafégo pesado encontra-se o coração pulsante de um artista que acredita que rir enquanto chorar é a única maneira de realmente lavar as coisas.

Torso (1973)

Imagem via Interfilm

Tronco é um slasher italiano que estabelece a maioria das regras que seriam estabelecidas posteriormente para os slasher americanos. O olhar malicioso dos homens torna todos suspeitos quando os corpos dos alunos começam a se acumular e são os seres sexuais livres que são mortos um por um. Há tanta nudez na parte inicial que Sergio Martino O filme se aproxima da misoginia, mas o mestre giallo consegue uma recompensa fantástica. Mas, no final, depois de ouvir todas as conversas cobiçadoras da cidade que os homens da classe trabalhadora estão tendo sobre as alunas que alugaram uma casa para se esconder do assassino que está hackeando mulheres em festas fora do campus, a obsessão do assassino por peças de boneca começa a fazer sentido na forma como os corpos femininos são usados.

Seu motivo é bobo, mas a masculinidade de um homem adulto foi atrofiada em um momento juvenil de pedir para jogar um jogo de eu te mostro o meu se você me mostrar o seu, que é frustrado por algo trágico que acontece com uma boneca. E no campus da faculdade, no bordel do amor livre e na vila pitoresca, quando muita nudez acontece, são as mulheres que tomam conta de seus corpos: voluntariamente fazendo parceria com um amante no banco de trás de um carro, dançando nua em um hippie endge, descansando nua em um sofá permitindo que os homens acariciem seus seios enquanto fumam um cigarro, mas dizendo-lhes para parar quando tentam ir mais longe e, mais descaradamente, quando estão sozinhos, nus tomando banho de sol na parte de cima da villa. E então, de repente, quando o assassino chega à villa, Martino vira o filme de cabeça para baixo e nos dá o cenário feminino final antes que a garota final se tornasse um tropo.

Em cada caso de nudez, as mulheres estão no controle de seus corpos. É malicioso, e sim, a cena lésbica parece mais um produtor dizendo dê um ao público, mas no final, acho que a nudez excessiva é martelada como tendo um ponto. Bonecas são algo com que meninos não podem brincar, a menos que o dono da menina dê permissão. E freqüentemente esse não é o caso. A nudez relaxada tem mais a ver com a quietude de seus corpos adultos em um estado natural, reduzido a partes de bonecas se um homem os vir em tal pose. (O último diálogo dos homens da cidade é que aquelas lindas mulheres nem mesmo falavam com elas porque não tinham educação; mais uma vez, uma forma de as mulheres terem mais agência durante uma era em que o sexo antes do casamento é o novo normal mas os papéis das mulheres nas atividades românticas e educacionais estão mudando junto com ele, dando-lhes mais agência).

Mas são os 30 minutos finais que fazem Tronco um grande giallo de todos os tempos. Os assassinatos começam a acontecer fora da tela enquanto o assassino espreita a villa, então, em vez de cenas de assassinato criando tensão, é uma sequência prolongada em que cada rangido da tábua do assoalho, cada aperto do advogado de madeira, recebe um peso imenso. É uma das seções mais intensas e prolongadas de um filme de terror que já vi. E embora o cenário Final Girl seja diferente das regras futuras, Martino tem imensos truques de câmera na manga para desorientar o espectador.

A Rosa de Ferro (1973)

Imagem via ABC Films

Jean Rollin 'S A rosa de ferro é O anjo exterminador de filmes de luxúria mórbidos; dois jovens gostosos vão para um cemitério e não conseguem encontrar o caminho de saída. É uma metáfora para o casamento? Pode ser.

Dois estrangeiros franceses ( Françoise Pascal e Hugues Quester ) conhecer depois de recitar um poema macabro em um casamento. Garoto chama garota para sair, garota diz que sim, então ele soca uma árvore de empolgação. Eles se encontram no pátio dos trens na manhã seguinte e se perseguem de locomotiva em locomotiva. É fofo. Ele sugere vinho, mas a garota não sabe que ele quer que o piquenique seja em um cemitério porque está tranquilo. Contra suas reservas de localização, eles acabam se envolvendo em uma cripta, é claro, mas depois que sua sessão de amor dura o comprimento de uma vela inteira, eles emergem na escuridão, começam a brigar e abusar um do outro até que ele chute uma cruz de ferro, ela se deita em um túmulo e talvez seja possuída. Ainda assim, embora ela esteja dizendo coisas malucas sobre o Dia da Morte e rastejando de quatro, o menino ainda vai beijar uma menina em cima de caveiras e fêmures se ela quiser.

A armadilha é a sexualidade e como os homens forçam as mulheres da diversão despreocupada para situações nas quais elas preferem não estar. Isso pode ser um filme de metáfora ou pode ser apenas um único local barato. Eu acho que são os dois. O humor macabro de Rollins e os suéteres de ketchup e mostarda conferem a isso um pouco de Scooby Doo vibração (clivagem pesada à parte). Com uma bela trilha sonora, você vai desejar que o horror encontre viagens fofas de morte com mais frequência.

Belladonna of Sadness (1973)

Imagem via Nippon Herald Eiga

Nesta fantasia pop psicodélica animada de sobrecarga sensorial diabólica, um senhor feudal malvado ataca uma menina de aldeia em sua noite de núpcias e continua a arruinar a vida dela e de seu marido. Depois de ser banida de sua aldeia, a garota faz um pacto com o diabo para ganhar habilidade mágica e se vingar de todos. Beladona da tristeza é igualmente bela e grotesca e foi extremamente influente para os cineastas japoneses de animação adulta alternativa, como Satashi Kon e Mamoru Oshii, que viriam. O que faz Beladona único, é que ele pega algo que poderia ter sido um verdadeiro show de terror medieval e esfrega a escuridão para permitir espaço para relaxar em êxtase, o que torna os momentos de opressão mais cortantes e os tréguas, muito mais um alívio. É realmente algo que o Diabo desperta mais simpatia do que os homens mortais, mas é porque pelo menos ele entende seus desejos e seu desejo de vingança. A compreensão é algo que os homens não podem pagar Beladona da Tristeza.

É difícil descrever essa orgia de excesso sem soar rude, então, em vez disso, vou apenas usar os títulos das músicas do Acid Mother's Temple para encerrar esta sinopse, uma vez que aquarela psicodélica e rock psicodélico são os cabelos longos e esvoaçantes desta narrativa; os tons pastéis se levantando para a escuridão como:

“Olá, boa criança”

“Sweet Juicy Lucy”

“Terceiro Olho do Mundo Inteiro”

“Amor Interplanetário”

“Pink Lady Lemonade”

“Adeus, Grande Idiota”

Sim, isso resume tudo melhor do que 'longe' poderia.

Sangue para Drácula (1974)

O conde Drácula sempre foi um pouco sedutor, mas Paul Morrissey (e produtor Andy Warhol ) nos deu um Drácula impotente hilariante ( Udo Kier ) dentro Sangue para Drácula . O corpo deste Drácula está ficando incrivelmente fraco porque - depois de séculos se alimentando de pescoços virgens - está se tornando cada vez mais difícil encontrar mulheres virgens para beber. Seu assistente sugere que eles vão para a Itália, onde as famílias ainda têm valores católicos firmes e, portanto, as mulheres serão puras. Deus do sexo de Warhol Joe Dallesandro (sempre o doce, nunca o ator; ele ostenta um forte sotaque do Brooklyn na Transilvânia) assumiu a responsabilidade de tirar a virgindade de todas as mulheres do interior da Itália para matar Drácula de fome. Sangue para Drácula dá um significado diferente a uma estaca de madeira que perfura o coração de Drácula. Aqui, a madeira matinal está literalmente matando o conde.

Embora seja fácil rir de um sedutor impotente, há certa tristeza no desempenho de Kier; com o aumento da liberdade sexual, perdemos a sociedade clássica e o Drácula de Kier é uma representação física dessa morte lenta. Este é um homem que poderia viver para sempre enquanto vivesse em uma era de pureza. Por séculos, Drácula foi um feiticeiro da sexualidade e os homens tiveram que caçá-lo e empalá-lo fisicamente para proteger suas mulheres puras. Agora, qualquer homem com barriga tanquinho pode abrir caminho pela cidade e enfraquecer seus poderes.

Celine e Julie Go Boating (1974)

Jacques Rivette Três horas (mais!) Do gigante da arte, Celine e Julie vão passear de barco são duas coisas para mim, é o filme onírico mais realista que já experimentei (incluindo a desintegração até o grande final) e também o melhor retrato do sonho lúcido (onde o sonhador pode afetar o sonho para ter um resultado que eles querem, porque estão cientes de que estão sonhando).

Celine ( Juliet Berto ) e Julie ( Dominique Labourier ) são duas mulheres que se unem em ação e suas identidades se fundem. Se um lê um livro sobre magia, o outro é mágico. Se um sublinha as passagens do livro com tinta vermelha, o outro pinta com tinta vermelha. Depois de uma série de muitos objetos e ações interligados, as jovens se encontram em algum mistério de assassinato de lésbica-fantasma que continua em loop. Uma casa com um pai enlutado está presa no limbo, onde suas enteadas reencenam diariamente um assassinato. Celine e Julie experimentam isso em primeiro plano e, como fazemos nos sonhos quando estamos cientes de que não estamos participando do que estamos vendo, começam a testar como serão notados ou o que podem fazer com o presença desta cena.

O que ocorre é curioso, engraçado e delicioso. Mas o que ajuda Celine e Julie para manter a atmosfera de sonho é que o espectador se esquece muito da configuração codificada, uma vez que está em casa. Assim como um sonho, você só fica com os fragmentos aos quais se apega e tenta explicar.

Pontuação (1974)

Sim, este é proibido para menores, o enredo é bastante simples e há uma cena de garota em cena de sexo oral e um de sexo masculino em cena de sexo oral, mas te desafio a encontrar um filme que fique mais à vontade com as alegrias da vida que Radley Metzger 'S Pontuação . O filme é sobre um casal de namorados ( Claire Wilbur e Casey Donovan ) à espreita para seduzir um casal puritano para uma troca noturna de parceiros do mesmo sexo. Mesmo que você seja puritano, há muito o que apreciar nas habilidades de cineasta de Metzger. A pontuação é animada e viva. As atuações são sólidas. E sua composição na cena errada é reveladora. Metzger era um diretor fantástico que não estava preso ao soft-core, mas sim sabia que soft-core poderia ser uma forma de arte. A maioria dos retratos pendurados em museus por décadas estava nua. Por que o filme não deveria apresentá-lo artisticamente também? Sexo e vergonha podem estar embutidos na religião, mas não deveriam estar embutidos em nossa arte.

Pontuação não se destina a um avanço rápido de dez minutos para 'as partes boas' porque a sedução e as conversas são, na verdade, as melhores partes. É um adorável filme de 90 minutos que apresenta conversas inteligentes e espirituosas sobre sexo. Algumas dessas conversas acontecem enquanto duas mulheres conversam entre um aquário de lâmpada de lava porque as conversas de filme devem ser sempre agradáveis ​​aos olhos. O que é realmente divertido sobre Pontuação , porém, é o quão inclusivo é. Cada personagem trabalha para fazer o outro gozar e todos sorriem e o placar é incrível. Não deixe a frase de introdução assustar você; este filme não é muito explícito. Se você aguentar ouvir as pessoas falando muito sobre sexo e casamento dentro de um lindo apartamento no estilo dos anos 70 na villa italiana e depois ter alguns minutos de sexo, você realmente terá um prazer. Você vai sorrir pensando neste filme. Você espera encontrar alguém tão animado por estar vivo como o novo casal reprimido ( Lynn Lowry e Gerald Grant ) são quando saem da villa para converter outra pessoa às suas novas formas livres de pensar. Sexo pode ser divertido. A busca pode ser divertida. E Pontuação é tão divertido que não há nada pelo qual você possa se sentir culpado ao assistir.

Hard Times (1975)

Tempos difíceis dá uma reformulação neo-ocidental do conto padrão da Grande Depressão e do boxe. Não há garota para chegar ao final, não há grande prêmio para esclarecer tudo; há apenas alguns riscos extras e respeito conquistado. Este é o diretor de culto Walter Hill 'S ( Os guerreiros ) primeiro filme e é muito garantido. Ele o apresenta como um conto clássico do estranho fora do vagão ( Charles Bronson ) que pode derrotar todos os homens em uma luta justa, mas aos poucos revela que não há muito a ganhar.

A essa altura, Bronson já havia sido refeito como uma estrela da vingança grindhouse, e há uma expectativa de que este filme seja semelhante, mas Hill está mais interessado no lado comercial das lutas ilegais; como a confiança é renovada ganhando o retorno em dinheiro literal e não por meio de vingança violenta. Em Bronson, Hill dá 'Velocidade' (uma grande e tempestuosa James Coburn ), um promotor que normalmente usava sua boca mentirosa para sair da estreia, um novo método de honrar a si mesmo: manter a palavra por meio de um trabalho ingrato.